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Las actividades musicales en Educación Infantil : análisis de los proyectos educativos
(Universidad de Murcia, 2022-05-23) Sánchez Marroquí, Judith; Vicente Nicolás, Gregorio
Los libros de texto son recursos didácticos que aún en el siglo XXI siguen hegemonizando el desarrollo curricular en todas las etapas educativas, incluida la Educación Infantil. La educación musical en las primeras edades puede concebirse como un recurso para estimular otras áreas o para disfrutar de experiencias musicales en sí mismas. Sin embargo, los libros de texto no siempre reflejan una planificación coherente de los contenidos musicales; a menudo presentan una gran dificultad para esta etapa e incluso pueden provocar graves errores. El objetivo general de la tesis es analizar desde un punto de vista musical y didáctico las propuestas musicales que realizan las editoriales en sus Proyectos Educativos (libros de texto) de Educación Infantil. Cada uno de los tres artículos que conforman esta tesis consta de un objetivo principal que en su conjunto dan respuesta al objetivo general planteado en esta investigación. La muestra comprendió 2.200 actividades musicales en libros de texto de las principales editoriales de España para el curso escolar 2017/2018. Se consultó a todos los centros escolares de la Región de Murcia (n = 497) para verificar si utilizaban PE, se estableció el ranking se seleccionaron los ocho primeros PE en el ranking de más utilizados. Para la recogida de datos se elaboró un instrumento ad hoc denominado Protocolo de Análisis Sistemático de Actividades Musicales en Educación Infantil. Para verificar la validez de contenido del instrumento, se comprobó el nivel de acuerdo intra e interevaluador (K = .92, K = .85 respectivamente). Asimismo, se obtuvo el juicio de expertos mediante una escala de validación, cuyos resultados indicaron una concordancia moderada entre los jueces (W = .65). Se utilizó el método de covariación de ítems para calcular la fiabilidad del instrumento y los datos reflejaron una buena consistencia interna (α = .82). Por último, se aplicó el instrumento a todas las actividades de los libros de texto elegidos y se interpretaron los resultados. Se ha utilizado tanto la estadística exploratoria para el análisis descriptivo como la estadística confirmatoria para un análisis univariante, bivariante y multivariante de las diferentes variables. Los resultados de esta investigación mostraron grandes diferencias en la planificación musical de las editoriales; los libros de texto más actuales tenían más sesiones y actividades musicales; las actividades que utilizaban la música como fin en sí mismo eran más comunes que las que se utilizaban como recurso; las áreas de contenido más desarrolladas por las editoriales eran el movimiento/danza y la audición; y, por último, en cuanto a los recursos y materiales, la mitad de las actividades hacían referencia al uso de CD's, pero la incorporación de juegos digitales musicales era muy baja (4%). En cuanto a las cualidades del sonido, los resultados mostraron que las más trabajadas fueron el timbre y la duración, siendo la intensidad y el tono las menos trabajadas. Las actividades que más trabajaron las cualidades del sonido fueron las relacionadas con la interpretación de instrumentos, a excepción de la duración, que estuvo más presente en las actividades de movimiento/baile. Dos tercios de las actividades musicales de los libros de texto estaban relacionadas con las cualidades del sonido, lo que refleja la importancia que los editores otorgan a éstas en las propuestas de enseñanza-aprendizaje de la música en los libros de texto de Educación Infantil. Los resultados relacionados con los errores en las actividades, revelaron que el 22.6% de las actividades analizadas contenían algún tipo de error. Los más frecuentes fueron en la categoría musical (conceptos, términos o representación gráfica), seguidos de los didácticos (nivel, planificación o metodología) y, por último, los relacionados con las hojas de trabajo del alumno.
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Análisis de la Musicoterapia en las Universidades Españolas
(Universidad de Murcia, 2022-02-14) Vivancos Belmonte, Antonia; Ibáñez Barrachina, José; Clemente Buhlal, José Antonio; Escuela Internacional de Doctorado
La investigación se planteó teniendo presente la incipiente expansión en las últimas décadas de la musicoterapia como rama de conocimiento, centrándose específicamente en el ámbito universitario. En la musicoterapia, los musicoterapeutas, profesionales titulados, trabajan para mejorar la calidad de vida de los pacientes-usuarios empleando como herramienta todo el contexto sonoro-musical. La hipótesis de esta investigación partió de la premisa de que la musicoterapia es una disciplina con presencia en la educación universitaria española y se analizan y valoran las opciones formativas que se ofrecen en torno a esta rama de conocimiento en el ámbito universitario del sistema educativo español. Los datos revelan sorprendentes resultados al respecto de los porcentajes de universidades que actualmente incorporan algún tipo de enseñanza en esta materia. Se ha realizado una categorización de la misma según su tipología: primeramente, si se obtiene un título propio u oficial, tras lo cual se ha profundizado en la clasificación por número de ECT: máster, grado, asignatura, diploma, certificado, experto o curso. Además, se ha valorado el desarrollo a nivel de formación en estudios de doctorado mediante el número de tesis leídas cuya temática esté directamente vinculada a la musicoterapia. Se ha recopilado qué departamento asume en cada una de las universidades los estudios de musicoterapia ofertados. Se ha considerado en esta tesis doctoral la financiación de la universidad. Esta tesis doctoral analiza los planes de estudio oficiales en musicoterapia en España, en lo que respecta a las asignaturas impartidas, así como la carga horaria en ECT. Con esta investigación se pone de manifiesto la presencia de la musicoterapia en España y aporta precisión a su nivel de expansión en la actualidad en las instituciones educativas de ámbito superior: las universidades. Una sociedad que crece, un conocimiento que se desarrolla: hoy en día, cada vez en mayor medida, los ámbitos de la ciencia se amplían. Adquieren protagonismo campos en los que décadas atrás éramos poco conscientes de su valía.
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La banda de música del Tercer Regimiento de Infantería de Marina y su contribución a la vida musical de Cartagena (1876-1931)
(Universidad de Murcia, 2020-07-20) Gómez Díaz, Rosa María; Clares-Clares, Esperanza; Escuela Internacional de Doctorado
Resumen Esta Tesis Doctoral estudia la trayectoria musical de la banda del Tercer Regimiento de Infantería de Marina de Cartagena y de sus músicos mayores entre 1876 y 1931, así como su influencia en la vida social y cultural de Cartagena. La banda del Tercer Regimiento de Infantería de Marina fue una agrupación de referencia en la vida musical de Cartagena, muy conocida dentro y fuera de la ciudad portuaria por la amplitud y variedad de su repertorio, por su calidad interpretativa y por la versatilidad de sus músicos. En Cartagena, la banda destacó por sus conciertos públicos gratuitos regulares, que cumplieron una importante función sociocultural y educativa con la ciudadanía. Además, la agrupación fue pionera en la introducción de repertorio europeo (Wagner, Liszt y Weber) en sus conciertos al aire libre. Particularmente interesantes fueron las recepciones y conciertos para personalidades militares y políticas extranjeras que hacían escala en el puerto de Cartagena y que eran recibidas y agasajadas con su música. Fuera de Cartagena, la agrupación actuó en conciertos y festejos de poblaciones de Murcia y provincias colindantes, en actos oficiales en Madrid y en San Fernando (Cádiz) así como en certámenes musicales de ámbito nacional e internacional, en los que obtuvo prestigiosos galardones. Para la realización de esta investigación se ha consultado diversa documentación manuscrita e impresa, principalmente de los Archivos Naval y Municipal (Cartagena) y Álvaro de Bazán (Viso del Marqués). Igualmente importantes han sido las fuentes hemerográficas, sobre todo locales y regionales. Los procedimientos metodológicos utilizados han sido los propios de la investigación musicológica de carácter histórico. En su primera parte, la Tesis analiza la música en los teatros y sociedades culturales más relevantes, Radio Cartagena y los cafés-concierto. También se estudian las principales festividades religiosas con música, los conciertos al aire libre y la educación musical en centros públicos y privados, civiles y militares. El estudio se completa con las agrupaciones militares y civiles coetáneas a la banda del Tercer Regimiento de Infantería de Marina, que fueron todas las bandas del Ejército destinadas en Cartagena a lo largo del periodo analizado, la banda de la Banda de Música de la Casa de la Misericordia y los repetidos intentos de creación de una Banda Municipal en Cartagena, así como las orquestas teatrales, la Orquesta Sinfónica (1919) y la Orquesta de la Sociedad de Conciertos (1919-1922). La segunda parte de la Tesis establece el marco legislativo de las bandas de música del Cuerpo de Infantería de Marina y aborda la trayectoria musical propiamente dicha de la banda del Tercer Regimiento de Infantería de Marina, analizando también la actividad profesional y las composiciones, algunas inéditas, de sus músicos mayores. Los Anexos aportan documentación fundamental como los programas de los conciertos realizados al aire libre, los contratos de los músicos o el Reglamento de la primera asociación de socorros mutuos de los músicos de la banda del Tercer Regimiento de Infantería de Marina.
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Los cantos de ida y vuelta en la ópera y la zarzuela de los siglos XIX y XX : la habanera
(Universidad de Murcia, 2021-06-03) Martínez López, Aurelio; González Martínez, Juan Miguel; Escuela Internacional de Doctorado
El presente trabajo pretende realizar un acercamiento histórico y estilístico al género de la habanera, como ejemplo absoluto de los cantos de ida y vuelta, para concretar el grado real de influencia en la zarzuela y la ópera de los siglos XIX y XX. Al mismo tiempo considerar las motivaciones y las causas que llevaron a los compositores a incluir la habanera en sus composiciones, determinando hasta qué punto incidió en el conjunto de su obra. Estudiar la presencia de la habanera en la zarzuela y la ópera, con el fin de analizar y definir las posibles corrientes estilísticas del género. Determinar si la introducción de la habanera en el teatro lírico de los siglos XIX y XX, está relacionada directamente con su perpetuación. Precisar si la popularidad del género motivó su inclusión en la zarzuela y la ópera, o por el contrario su popularidad se debió a su incorporación en el teatro lírico. El empleo del método cualitativo, ha sido clave a la hora de obtener datos, interpretarlos y conseguir así reunir los aspectos estilísticos del género en cuestión. La búsqueda del corpus bibliográfico y documental, va dirigida a comprender y analizar todos los trasuntos históricos entre la música de uno y otro lado del Atlántico, así como la influencia de esta música en géneros como la zarzuela y posteriormente en la ópera. Con la investigación y el manejo de distintas fuentes primarias como las propias partituras de zarzuelas y óperas contenidas en los archivos de la Biblioteca Nacional de España, ha habido oportunidad de conocer los rasgos que definen a esta música de «ida y vuelta» que se hace presente en el teatro lírico musical del siglo XIX y XX. La consulta hemerográfica de más de cincuenta cabeceras periodísticas de la época, nos ofrece artículos de prensa, críticas de concierto y representaciones que muestran la acogida del momento. En un ámbito de carácter exclusivamente musical ha sido sustancial la consulta del Archivo de la Fundación Teresa Pérez Daniel de Mayorga (Valladolid), depositado en la Fundación Joaquín Díaz de Urueña (Valladolid), así como al de la propia investigadora, también la Biblioteca de la Fundación Ernest Morató de Palafrugell (Girona), así como el Patronato Municipal de Habaneras de Torrevieja. Tras el análisis detenido del material documental contenido en la Biblioteca Nacional de España, se observa cómo desde su primeras apariciones en la década de los cuarenta del siglo XIX, el tango o habanera estuvo presente en todas y cada una de las etapas creativas de la zarzuela española. Hay que decir que la habanera fue la forma perfecta que encontraron los compositores del teatro lírico del siglo XIX y XX para manifestar, por un lado, el influjo nacionalista que en ese momento ocupaba la música que se practicaba en Europa a mediados del siglo XIX y por otro, para proporcionar el exotismo con el que los compositores pretendían impregnar sus obras con el fin de otorgar toques identificativos de determinados lugares. El estudio del amplio corpus habanerístico insertado en la zarzuela española, desprende entre sus conclusiones la posibilidad de establecer una clasificación con cuatro grandes tipologías de habaneras atendiendo a criterios de carácter estilístico a la vez que cronológico. La introducción de la habanera en la zarzuela estuvo íntimamente relacionada con su trascendencia. Posiblemente, de no haberse incluído, se hubiera diluido como tantas músicas de origen popular. El paralelismo de la aparición de las primeras partituras de habaneras como tal, coincidiendo con las primeras aproximaciones que se realizaron también desde la zarzuela, nos llevan a pensar que el teatro lírico español contribuyó en gran medida a la popularidad del género.
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La composición musical en el aula de educación secundaria: diseño, aplicación y evaluación de un modelo didáctico a partir de la experimentación sonora
(Universidad de Murcia, 2021-07-06) Yelo Cano, Juan Jesús; Vicente Nicolás, Gregorio; Escuela Internacional de Doctorado
El objetivo de esta Tesis ha sido diseñar y validar un proyecto de trabajo para realizar actividades de composición en el aula de Educación Secundaria Obligatoria basado en los presupuestos de la música experimental, utilizando para ello la metodología del modelo evaluativo CIPP (Contexto, Entrada, Proceso y Producto). La investigación realizada surge de la necesidad de encontrar respuestas a algunas deficiencias de la práctica docente: las dificultades para realizar actividades de composición musical y la exigua presencia de la música contemporánea en el aula. El marco teórico presenta una aproximación histórica a la experimentación con el ruido en la música, prestando especial atención a los siglos XX y XXI, así como al contexto español y de la Región de Murcia, espacio donde se ha desarrollado la Tesis. También se describen las metodologías musicales más significativas de la segunda mitad del siglo pasado que inciden en la experimentación musical en el aula: las propuestas de los pedagogos Paynter, Self, Dennis, Saitta y, sobre todo, Oliveros, Schafer y Delalande. El marco teórico finaliza con un estudio sobre la presencia de la composición de música experimental como contenido formativo en los currículos de música de diferentes países. El correspondiente a España se centra en las Comunidades Autónomas de Cataluña, Valencia y Región de Murcia. El diseño de la metodología CIPP utilizada se ha desarrollado en cuatro fases. La primera, la evaluación del contexto, ha permitido determinar la presencia y características de las actividades de composición en el aula de Secundaria, así como establecer las fases del proceso compositivo. La segunda fase, evaluación de entrada, ha consistido en el diseño de un proyecto de trabajo en el aula, que culmina con la implementación de dicho proyecto en la tercera fase, la evaluación del proceso. Por último, la evaluación del producto ha propiciado, en función de los avances detectados en el alumnado, la validación de la propuesta didáctica. Los participantes en la primera fase de este estudio han sido 82 docentes de Música de todos los ámbitos educativos y 9 compositores de diferentes estilos musicales. La fase de implementación del proyecto se desarrolló durante el curso 2017/18 y en ella han participado 66 estudiantes de 2º curso de ESO del IES Floridablanca de la ciudad de Murcia. Los instrumentos de recogida de información durante la evaluación del contexto han sido cuestionarios y entrevistas. En la fase de evaluación del proceso, se han utilizado listas de control, diario de anotaciones, rúbricas y autoevaluaciones del alumnado, así como las producciones escritas y musicales del mismo. También se han aplicado dos test de aprendizaje, uno previo y otro posterior al desarrollo del proyecto de trabajo. Las conclusiones de la investigación han demostrado que la composición en el aula basada en el uso de sonidos del entorno y su transformación a través del ordenador es posible y que ello es punto de partida para la utilización de la experimentación sonora como base para la creación musical en el aula. Esto supone, por un lado, una innovación metodológica para nuestras aulas de música y, por otro, la conexión de los centros escolares con la realidad circundante a través de la introducción de los lenguajes musicales actuales. Igualmente, ha quedado de manifiesto que la introducción de los lenguajes sonoros del siglo XXI es la gran asignatura pendiente de los currículos de música oficiales, además de la recomendable actualización didáctica del profesorado para abordar estos temas en el aula. También han quedado demostrados cambios positivos de apreciación estética en el alumnado a la hora de valorar las propuestas sonoras contemporáneas.
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“Del folklorismo musical” de Alejo Carpentier: sobre el ensayo y sus grietas.
(Universidad de Murcia, Servicio de Publicaciones, 2021) Garí Barceló, Bernat
La reflexión que sigue trata de visibilizar uno de los ensayos musi‐ cales menos conocidos de Alejo Carpentier: “Del folklorismo musical”, publicado junto a otros escritos en el volumen Tientos y diferencias en 1966. Se trata de un texto breve, de apenas quince páginas, que logra, sin embargo, definir de manera nítida las coordenadas en las que se tensiona la propuesta teórica del autor. Por su concisión y por su poder de penetra‐ ción el ensayo consigue sintetizar las claves de lectura de otros textos me‐ nos accesibles, como La música en Cuba, más aún, revela las limitaciones y aporías que Carpentier dejó sin re‐ solver en su intento de redirigir la antropología de Fernando Ortiz y las teorías musicales de Sánchez de Fuentes hacia una musicología menos esencialista. A lo largo de mi recorri‐ do rastrearé este proceso para mos‐ trar que el camino tomado por Car‐ pentier era irremediablemente aporé‐ tico, acaso porque asumió inconscien‐ temente el registro de sus precurso‐ res o, tal vez, porque, en el fondo, no llegó a desembarazarse de los presu‐ puestos sobre la cubanía que aterri‐ zan en el seno del Grupo Minorista cubano a finales de los años veinte.
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Los límites de la partitura la interpretabilidad de los registros gráficos de la obra sonora de Isidoro Valcárcel Medina
(Universidad de Murcia, 2024-11-15) Kay, Amber Louise; Tejeda Martín, Isabel; Escuela Internacional de Doctorado
Isidoro Valcárcel Medina (Murcia 1937) es Premio Nacional de las Artes Plásticas (2007) y Premio Velázquez de Artes Plásticas (2015). Su trabajo ha sido asociado a diversos movimientos artísticos, y es difícilmente clasificable de forma exclusiva en ninguno de ellos; sirviéndose de múltiples medios y disciplinas, su praxis artística se relaciona más con las situaciones y la experiencia que con la producción de objetos. Desde la década de los años 70, Valcárcel Medina no sólo ha hecho una aportación considerable al catálogo de arte sonoro de las vanguardias españolas, sino que en su mayoría las piezas parten de un registro gráfico, mas son escasamente interpretadas, y ni siquiera es objeto de estudio dentro del campo de la música contemporánea, que hace considerables incursiones en el terreno del arte sonoro. La partitura, por definición, es la representación gráfica de una pieza musical mediante un sistema de notación, para dar instrucciones que permitan su interpretación, por lo que entendemos que las de Valcárcel Medina pueden prestarse a ello. Sobre las metodologías aplicadas, nos basamos en el análisis y la investigación en archivos y fondos de centros que han estado involucrados en la exhibición o catalogación de la obra de Valcárcel Medina. Otro de los pilares de esta tesis se basa en entrevistas al sujeto de estudio, pues la participación de Isidoro Valcárcel Medina en todas las fases de esta investigación nos ha aportado detalles hasta el momento desconocidos, así como la posibilidad de contrastar ideas y desmentir suposiciones erróneas, que ha sido de valor singular. Esta investigación plantea una interpretación inédita de un registro gráfico de la obra sonora de Valcárcel Medina, para demostrar la interpretabilidad del mismo. La propia práctica artística ha sido una herramienta metodológica esencial, demostrando que la investigación se enmarca dentro de las Bellas Artes por su necesidad intrínseca de recurrir a la práctica artística, que culminó en la presentación de un concierto de música vocal experimental celebrado el 23 de mayo 2024 en Sala Caballerizas (Murcia) en presencia de Valcárcel Medina. La investigación se articula en torno a cuatro hipótesis. Para la demostración de la primera, que las piezas sonoras de Valcárcel Medina que gozan de registro gráfico se prestan a ser interpretadas, se recopiló todas aquellas piezas sonoras del autor que gozan de partitura. La recopilación e investigación en torno a su catálogo íntegro de producción sonora nos condujo a su vez a demostrar la segunda hipótesis planteada, de que podemos distinguir dos grandes líneas conceptuales con respecto a sus piezas sonoras: el tiempo, y la comunicación. Estas líneas conceptuales trascienden el ámbito sonoro para poder aplicarse a toda su obra, independientemente del medio empleado. La tercera hipótesis, que dado que las partituras de Valcárcel Medina se prestan a la reinterpretación también se puede contextualizar su obra sonora dentro de la historia de la música en lugar de contextualizarlas únicamente dentro de las bellas artes como se ha hecho hasta el momento en investigaciones anteriores, se consiguió mediante el análisis de partituras de Valcárcel Medina partiendo de un modelo de análisis académico de partituras, hallando abundantes características formales comunes con compositores contemporáneos. La última hipótesis planteó la interpretación de los registros gráficos de Valcárcel Medina como método para propiciar la conservación y divulgación de su legado sonoro, además de entender su interpretación como generar obra nueva dada la expansión de autoría inherente en partituras fluxus, afirmado por el propio autor. Así, esta investigación han permitido crear un corpus teórico y abrir una posibilidad de investigación a través de la práctica artística que podría suscitar nuevas aportaciones a la interpretabilidad de las partituras de Valcárcel Medina.
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Mecanismos y motivos teológicos no musicales que propiciaron la evolución de la liturgia musical católica Un estudio desde los primeros cristianos hasta el Renacimiento musical y el punto de inflexión que supone el Concilio Vaticano II
(Universidad de Murcia, 2020-01-09) Aledo Villodre, Francisco; Molina Gómez, José Antonio; Escuela Internacional de Doctorado
La importancia de la figura de Johann Sebastian Bach es indiscutible, siendo considerado un icono referente en el mundo musical que marcó el inicio de una nueva época y el final de la anterior. Sin embargo, no solamente es destacable su relevancia en el campo de la musicología sino por estar inseparablemente ligado a la disciplina de la teología. Como profundo luterano, el estudio de la Palabra formaba parte esencial de la vida del músico y fue evolucionando a medida que el compositor alcanzaba su madurez tanto personal como musical. De esta forma destacan sus composiciones sacras durante su época en Leipzig donde se trasladó en 1723 junto a su familia para desempeñar el puesto de Cantor en la iglesia de Santo Tomás. Desde el inicio de su estancia en dicha ciudad hasta la muerte del compositor en 1750, se le encomendó la hercúlea tarea de la composición de toda obra sacra que sonaba en la iglesia durante todos los actos que componían el calendario litúrgico luterano, además de otras funciones dentro de la escuela. De entre estas composiciones destacan sus corales para órgano, que forman la base de toda composición luterana, siendo éstos también interpretados por la congregación. Es en el arte de este instrumento donde destaca el compositor transcribiendo él mismo para órgano diversas cantatas y corales que formaban parte, a su vez, de obras de mayor envergadura como oratorios o pasiones. Aplicando la técnica de la parodia, nada rechazada en la época y perfectamente aceptada e incluso demandada, los compositores podían hacer frente al gran número de obras que debían escribir, haciendo presente la misma línea melódica pero con diferentes variaciones tanto de tesitura, de altura como de tonalidad, en diferentes obras. De entre toda la literatura musical escrita por Bach, destacan sus pasiones según San Juan y según San Mateo por ser las obras que reflejan un mayor conocimiento del Texto escrito así como un dominio maestral del arte de la composición. El presente trabajo recoge un análisis realizado a una selección de números destacados de dichas pasiones donde se demuestra la soberanía del significado del texto sobre la música, es decir, cómo la música estaba al servicio del texto y del mensaje del mismo, así como era práctica habitual en la época. Con esta característica propia del Barroco musical ligada al profundo conocimiento de la Palabra por parte del compositor, Bach consigue explicar el texto a través de la música y hacer partícipe a una congregación en la vivencia activa de la fe. Con la teología de la cruz como máximo exponente, los puntos álgidos que se destacan en dichas composiciones recogen el arrepentimiento del feligrés, no el momento de la crucifixión o muerte de Jesús, sino cuando somos conscientes de nuestra culpa y pedimos perdón. La música consigue hacer llegar un mensaje de manera muy diferente al uso de la palabra hablada que puede ser fácilmente malinterpretada o puesta en entredicho. Sin embargo, la música al ser un arte abstracto es entendida por cada persona de manera diferente pero siempre acertada. El mensaje teológico, la lectura de la Palabra, así como la interpretación de la misma, también está ligada a la persona que transmite el mensaje, siendo el proceso contrario cuando se introduce el uso de la música en la transmisión de dicho contenido. En una época donde los cambios sociales y musicales estaban íntimamente ligados a la profesión de la fe y vivencia de la misma, Bach consiguió hacer llegar a una congregación el mensaje de la Palabra. Fue un teólogo consagrado a la música, cuya explicación estaba escrita en idioma musical y cuyo público asistente era la congregación. Abstract The importance of the figure of Johann Sebastian Bach is indisputable, being considered a reference icon in the musical world that marked the beginning of a new era and the end of the previous one. However, not only its relevance in the field of musicology is remarkable, but also because he is inseparably linked to the discipline of theology. As a deep Lutheran, the study of the Word was an essential part of the life of the musician and it was evolving as the composer reached his maturity, both personal and musical. In this way, his sacred compositions during his time in Leipzig, where he moved in 1723 with his family to work as a Cantor in the church of Saint Thomas, stand out. From the beginning of his stay in that city until the death of the composer in 1750, he was entrusted with the great task of composing any sacred work that sounded in the church during all the acts that made up the Lutheran liturgical calendar, in addition to other functions inside the school. Among these compositions, it is highlighted his organ corals, which form the basis of all Lutheran compositions, also interpreted by the congregation. It is in the art of this instrument where the composer stands out, transcribing by himself various cantatas and choral organs that were part, in turn, of larger works such as oratorios or passions. Applying the technique of parody, nothing rejected at the time and perfectly accepted and even demanded, composers could cope with the large number of works that had to write, making present the same melodic line but with different variations of tessitura, height and tonality, in different works. Among all the musical literature written by Bach, Saint John’s Passion and his Saint Matthew’s Passion stand out as the works that reflect a greater knowledge of the Written Text as well as a mastery of the art of composition. The present work gathers an analysis made to a selection of outstanding numbers of those passions where the sovereignty of the meaning of the text on the music is demonstrated, that is, how the music was at the service of the text and its message, as it was a usual practice at the time. With this characteristic of the musical Baroque linked to the profound knowledge of the Word by the composer, Bach manages to explain the text through music and involve a congregation in the active experience of faith. With the theology of the cross as the maximum exponent, the highlighted parts of these compositions emphasise the repentance of the parishioner, not the moment of the crucifixion or death of Jesus, but when we are aware of our guilt and ask for forgiveness. Music manages to convey a message in a very different way to the use of the spoken word that can be easily misinterpreted or questioned. However, music being an abstract art is understood by each person in a different but always accurate way. The theological message, the reading of the Word, as well as its interpretation, is also linked to the person who transmits the message, but the opposite process is carried out when the use of music is introduced in the transmission of said content. In a time when social and musical changes were intimately linked to the profession of faith and its experience, Bach managed to get the message of the Word to a congregation. He was a theologist devoted to music whose explanation was written in musical language and whose audience was the congregation.
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Música, cine y educación : Narrativas y construcción de estereotipos a través de la imagen fílmica
(Universidad de Murcia, 2021-02-15) García Celdrán, María; Encabo Fernández, Enrique; Escuela Internacional de Doctorado
La presente tesis doctoral se encuentra delimitada por un área temática cuyos tres ejes de investigación son música, cine y educación. Partiendo de estas premisas, este trabajo pretende comprobar la importancia que adquiere la música en la vida del ser humano como forma de integración social y como elemento fundamental en la educación, todo ello mediante la visión que podemos encontrar de la música y de los procesos de enseñanza-aprendizaje musicales en el ámbito cinematográfico y sus diversas representaciones audiovisuales. El objetivo general, por tanto, es analizar, describir, interpretar y comparar la imagen que se proporciona de la música desde el punto de vista educativo en películas cuya trama se desarrolla en función de la misma o en las que la representación de la educación musical tiene un protagonismo muy destacado. Para ello se realizará una revisión bibliográfica de los distintos campos de conocimiento en los que queda enmarcada la investigación y, a partir de una cuidada selección, se configurará una muestra representativa de películas que, bien por su difusión y alcance, bien por las normas, actitudes y valores que contienen y presentan, nos permita asumir una postura crítica y extraer conclusiones sobre las ideologías y representaciones en ellas contenidas. Dado el carácter interdisciplinar de la tesis, el método de investigación combina técnicas propias tanto de las ciencias sociales como de las humanidades. A grandes rasgos, se han empleado la revisión documental, dada la necesidad de conocer los estudios previos y plantear a partir de los mismos un marco teórico y conceptual convenientemente fundamentado, y, en un segundo momento, un método exploratorio y descriptivo a partir de una muestra conformada por diferentes productos fílmicos que reflejan de manera fehaciente contextos de educación musical. Todo ello bajo el método comparativo, sirviéndonos de modelos y herramientas procedentes de la educación comparada. Los resultados alcanzados nos permiten comprobar cómo el cine, especialmente el denominado “cine comercial”, presenta una serie de clichés o estereotipos recurrentes en cintas de diferentes décadas y nacionalidades. Los estereotipos encontrados aluden tanto a la figura del docente (en ocasiones extremadamente motivado y con una actitud casi heroica) como a la de los discentes (que, a través de la música, consiguen descubrir su propia personalidad y hacer frente a situaciones hostiles). No obstante, hemos hallado que tanto en lo que atañe a las figuras educativas como a los contextos de educación musical, el cine presenta situaciones extremadamente hiperbólicas, que aun manteniendo relación con la realidad, se instalan claramente en el ámbito de la ficción al servicio del espectáculo. En la tesis doctoral se reflejan tanto los valores positivos como negativos mostrados a través de los productos fílmicos. El cine y, por tanto, los códigos cinematográficos, es un arte propio de nuestro tiempo, y dada su aceptación por parte de amplias audiencias, es creador de cultura y conocimiento, promoviendo intercambios culturales, idiosincrasias, ideologías y valores. El análisis realizado permitirá poder trabajar con nuestros alumnos estos productos culturales, posibilitando que sean capaces no solo de descubrir nuevas dimensiones estéticas a partir de los mismos, sino de entender, reflexionar, y adoptar una postura crítica ante los contenidos que presentan.
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La Palabra a través del prisma musical de Johann Sebastian Bach Análisis de sus dos grandes obras teológicas
(Universidad de Murcia, 2020-01-09) Aledo Villodre, Teresa; Molina Gómez, José Antonio; Reynés Florit, Arnau; Escuela Internacional de Doctorado
La importancia de la figura de Johann Sebastian Bach es indiscutible, siendo considerado un icono referente en el mundo musical que marcó el inicio de una nueva época y el final de la anterior. Sin embargo, no solamente es destacable su relevancia en el campo de la musicología sino por estar inseparablemente ligado a la disciplina de la teología. Como profundo luterano, el estudio de la Palabra formaba parte esencial de la vida del músico y fue evolucionando a medida que el compositor alcanzaba su madurez tanto personal como musical. De esta forma destacan sus composiciones sacras durante su época en Leipzig donde se trasladó en 1723 junto a su familia para desempeñar el puesto de Cantor en la iglesia de Santo Tomás. Desde el inicio de su estancia en dicha ciudad hasta la muerte del compositor en 1750, se le encomendó la hercúlea tarea de la composición de toda obra sacra que sonaba en la iglesia durante todos los actos que componían el calendario litúrgico luterano, además de otras funciones dentro de la escuela. De entre estas composiciones destacan sus corales para órgano, que forman la base de toda composición luterana, siendo éstos también interpretados por la congregación. Es en el arte de este instrumento donde destaca el compositor transcribiendo él mismo para órgano diversas cantatas y corales que formaban parte, a su vez, de obras de mayor envergadura como oratorios o pasiones. Aplicando la técnica de la parodia, nada rechazada en la época y perfectamente aceptada e incluso demandada, los compositores podían hacer frente al gran número de obras que debían escribir, haciendo presente la misma línea melódica pero con diferentes variaciones tanto de tesitura, de altura como de tonalidad, en diferentes obras. De entre toda la literatura musical escrita por Bach, destacan sus pasiones según San Juan y según San Mateo por ser las obras que reflejan un mayor conocimiento del Texto escrito así como un dominio maestral del arte de la composición. El presente trabajo recoge un análisis realizado a una selección de números destacados de dichas pasiones donde se demuestra la soberanía del significado del texto sobre la música, es decir, cómo la música estaba al servicio del texto y del mensaje del mismo, así como era práctica habitual en la época. Con esta característica propia del Barroco musical ligada al profundo conocimiento de la Palabra por parte del compositor, Bach consigue explicar el texto a través de la música y hacer partícipe a una congregación en la vivencia activa de la fe. Con la teología de la cruz como máximo exponente, los puntos álgidos que se destacan en dichas composiciones recogen el arrepentimiento del feligrés, no el momento de la crucifixión o muerte de Jesús, sino cuando somos conscientes de nuestra culpa y pedimos perdón. La música consigue hacer llegar un mensaje de manera muy diferente al uso de la palabra hablada que puede ser fácilmente malinterpretada o puesta en entredicho. Sin embargo, la música al ser un arte abstracto es entendida por cada persona de manera diferente pero siempre acertada. El mensaje teológico, la lectura de la Palabra, así como la interpretación de la misma, también está ligada a la persona que transmite el mensaje, siendo el proceso contrario cuando se introduce el uso de la música en la transmisión de dicho contenido. En una época donde los cambios sociales y musicales estaban íntimamente ligados a la profesión de la fe y vivencia de la misma, Bach consiguió hacer llegar a una congregación el mensaje de la Palabra. Fue un teólogo consagrado a la música, cuya explicación estaba escrita en idioma musical y cuyo público asistente era la congregación. Abstract The importance of the figure of Johann Sebastian Bach is indisputable, being considered a reference icon in the musical world that marked the beginning of a new era and the end of the previous one. However, not only its relevance in the field of musicology is remarkable, but also because he is inseparably linked to the discipline of theology. As a deep Lutheran, the study of the Word was an essential part of the life of the musician and it was evolving as the composer reached his maturity, both personal and musical. In this way, his sacred compositions during his time in Leipzig, where he moved in 1723 with his family to work as a Cantor in the church of Saint Thomas, stand out. From the beginning of his stay in that city until the death of the composer in 1750, he was entrusted with the great task of composing any sacred work that sounded in the church during all the acts that made up the Lutheran liturgical calendar, in addition to other functions inside the school. Among these compositions, it is highlighted his organ corals, which form the basis of all Lutheran compositions, also interpreted by the congregation. It is in the art of this instrument where the composer stands out, transcribing by himself various cantatas and choral organs that were part, in turn, of larger works such as oratorios or passions. Applying the technique of parody, nothing rejected at the time and perfectly accepted and even demanded, composers could cope with the large number of works that had to write, making present the same melodic line but with different variations of tessitura, height and tonality, in different works. Among all the musical literature written by Bach, Saint John’s Passion and his Saint Matthew’s Passion stand out as the works that reflect a greater knowledge of the Written Text as well as a mastery of the art of composition. The present work gathers an analysis made to a selection of outstanding numbers of those passions where the sovereignty of the meaning of the text on the music is demonstrated, that is, how the music was at the service of the text and its message, as it was a usual practice at the time. With this characteristic of the musical Baroque linked to the profound knowledge of the Word by the composer, Bach manages to explain the text through music and involve a congregation in the active experience of faith. With the theology of the cross as the maximum exponent, the highlighted parts of these compositions emphasise the repentance of the parishioner, not the moment of the crucifixion or death of Jesus, but when we are aware of our guilt and ask for forgiveness. Music manages to convey a message in a very different way to the use of the spoken word that can be easily misinterpreted or questioned. However, music being an abstract art is understood by each person in a different but always accurate way. The theological message, the reading of the Word, as well as its interpretation, is also linked to the person who transmits the message, but the opposite process is carried out when the use of music is introduced in the transmission of said content. In a time when social and musical changes were intimately linked to the profession of faith and its experience, Bach managed to get the message of the Word to a congregation. He was a theologist devoted to music whose explanation was written in musical language and whose audience was the congregation.
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Presencia y uso de la música de los medios audiovisuales en los libros de texto de la asignatura de música en el nivel de educación primaria en la Región de Murcia
(Universidad de Murcia, 2020-01-16) Azorín Delegido, José Manuel; Montoya Rubio, Juan Carlos; Escuela Internacional de Doctorado
La evolución tecnológica ha propiciado que, actualmente, sea realmente difícil pasar un día sin acceder, de manera voluntaria o involuntaria, a algún medio audiovisual, pues se hallan inmersos prácticamente en la totalidad de nuestra vida. Además, estos medios, ejercen una potente atracción para el ser humano. Por otro lado, los libros de texto, pese a poseer un aura de recurso tradicional y obsoleto, siguen estando tremendamente presente en las aulas de Educación Primaria, según organismos oficiales. Finalmente, la Educación Musical, disciplina que, desde su inclusión en las aulas escolares españolas en la década de los noventa, ha ido perdiendo presencia y protagonismo en la formación del alumnado, sobre todo con la entrada en vigor de la última Ley Orgánica para la Mejora de la Calidad Educativa, pasando a ser optativa en la mayoría del territorio nacional. Es aquí, en la confluencia de estas tres realidades, donde surge la presente tesis. El objetivo principal del trabajo ha sido analizar la presencia y uso que se hace de la música de los medios audiovisuales en los libros de texto de la asignatura de Música en Educación Primaria en la Región de Murcia. El anterior ha generado la necesidad de unos objetivos específicos estructurados en torno a él y que han planteado el requerimiento de: Identificar los medios audiovisuales con más presencia; Comprobar para qué tipo de actividad se utiliza la música de los medios audiovisuales; Conocer si se recurre a la música original o si, por el contrario, se hace uso de versiones y/o adaptaciones; Evidenciar si aparecen composiciones musicales completas o, en cambio, se utilizan fragmentos concretos de las mismas y, finalmente, Averiguar de qué manera se presenta al alumno el material audiovisual a utilizar, todos ellos orientados a los libros de texto de la asignatura de Música en Educación Primaria en la Región de Murcia. Para alcanzar el objetivo planteado se presenta una metodología inserta dentro de los estudios descriptivos de poblaciones mediante un diseño transversal, donde se ha optado por un método mixto. El procedimiento para llevar a cabo este trabajo se inició con el contacto con todos los centros de la Comunidad Autónoma para conocer si, en la asignatura de Música, utilizaban libro de texto y a qué editorial se acogía. Una vez conocidas las editoriales a investigar se procedió a la provisión de materiales y a la aplicación de la herramienta de extracción de datos diseñada ad hoc para la investigación. Los resultados obtenidos han demostrado que los medios audiovisuales no son un elemento que llegue con contundencia al alumnado desde los libros de texto, más bien quedan como un recurso marginal y reducido a las exigencias legislativas. Dentro de la poca presencia de este tipo de música en los materiales editoriales, se ha detectado que el medio audiovisual más utilizado es el cine, la audición se posiciona como la actividad musical más planteada, mientras que se emplea mayoritariamente a versiones originales y composiciones completas. La manera más habitual de presentación de los archivos sonoros al alumnado es a través del título y/o autor de la composición y de un soporte óptico adjunto al libro, normalmente un disco compacto de audio
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El proceso de institucionalización de la música española en el siglo XIX
(Universidad de Murcia, 2024-02-12) Burló Giner, Francisco Buenaventura; Novella Suárez, Jorge; Notario Ruiz, Antonio; Escuela Internacional de Doctorado
La música estuvo bien considerada y valorada desde la Edad Media y lo que tenía que haber sido una consolidación constante: en el siglo XIII, con Alfonso X el Sabio, en la Universidad de Salamanca, se estudiaba tanto desde un punto de vista teórico como práctico. A finales del XV, la Universidad de Alcalá incluyó la música en sus planes de estudio. En el XVI gozaba de gran prestigio. En el siglo XVIII la Iglesia adquirió mucho dominio con los músicos y la enseñanza, pero con la Desamortización, pierde ese poder y la música empieza a alejarse vertiginosamente de las universidades. Los estudios musicales estaban muy poco valorados. La presente Tesis doctoral trata de investigar el comienzo del resurgir o revalorización de los estudios musicales: “El proceso de institucionalización de la música española en el siglo XIX”, y todo lo que rodea a este largo recorrido, influido, por una parte, por las circunstancias personales que atraviesa el artista músico español, que hacen que la institucionalización venga exenta de la Universidad; los títulos oficiales los impartirá el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, es de destacar, pues, el hecho de la importancia de la institucionalización en conservatorios, en España, puesto que se pone en marcha la ponderación de los estudios musicales, incorporando asignaturas como Musicología y Etnomusicología, con un interés científico; por otra parte, determinadas características que hermanan a todos los países europeos, como son: la incorporación de la “naturaleza” en el arte; la consolidación de la “libertad”; el Naturalismo literario y musical; el Impresionismo pictórico y musical; el Nacionalismo musical; el “asociacionismo”, que, de pronto, parece que va en contradicción con el concepto de libertad, puesto que implica seguir ciertas normas... todos estos hechos, van teniendo sus réplicas o ecos en España, destacando el citado primer Conservatorio en Madrid, (1830), por la reina María Cristina, de ahí el nombre de “Real”; la construcción del Teatro Real (1850); la inclusión de los estudios de música en Bellas Artes (1873); el asociacionismo en España dio muy buenos resultados, puesto que desembocó en la institucionalización de la música no sólo a nivel de estudios oficiales en conservatorios, sino también a otros niveles, desde teatros especializados, formaciones con músicos no profesionales, coros, bandas de música..., y hasta los propios músicos, que se sentían menospreciados y minusvalorados por los empresarios y llegaron a formalizar una asociación con la creación de la Sociedad General de Autores, gracias al impulso de Ruperto Chapí, que estuvo comprometido con todas las agrupaciones y asociaciones de finales del siglo XIX, hasta que propuso a la Sociedad de Autores, Compositores y Editores de Música que se encargara del cobro de los derechos de representación en las obras (1896). Tres años más tarde, gracias a Sinesio Delgado y a Ruperto Chapí, se dio un impulso, firmando el 16 de junio de 1899, ante notario, la constitución legal de la Sociedad de Autores de España. El público es una figura muy interesante en el siglo XIX, puesto que nos lleva a una de las conclusiones importantes de esta tesis y es que la pretendida “libertad”, del artista en general y del compositor, en particular, en realidad no existe, muchos creadores se ven en la obligación de componer lo que demanda el espectador. Es de destacar, por otra parte, que España se puso de moda y casi todos los compositores del resto de Europa buscaban inspiración en temas españoles, como el “alhambrismo”. Es una investigación muy emotiva, creciendo en interés, progresivamente, por los resultados obtenidos, pues el siglo XIX fue decisivo en España para la institucionalización de la música y de los músicos.
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Proyecto educativo para el patrimonio musical murciano a través del estudio de superposiciones tonales de Manuel de Falla en dos de las siete canciones populares españolas: el Paño Moruno y Seguidilla Murciana
(Universidad de Murcia, 2023-09-19) González González, Inés; Encabo Fernández, Enrique; Escuela Internacional de Doctorado
Dentro de la producción musical de Manuel de Falla ocupa un lugar singular su obra Siete canciones populares españolas, en la que el músico da muestra de su estilo compositivo a partir del folklore de diferentes regiones españolas. En esta Tesis Doctoral nos centramos en el análisis armónico de las dos inspiradas en el folklore de la Región de Murcia, El Paño Moruno y Seguidilla Murciana, en las que observamos el método de composición basado en el sistema armónico de Superposiciones Tonales. El gran legado documental del que se dispone en la actualidad en torno a Manuel de Falla permite desarrollar un estudio paralelo en la versión orquestal que realiza Ernesto Halffter. Dicho estudio persigue explicar el proceso de realización y resultado final de dicha adaptación instrumental. El mismo análisis realizado sobre la versión para voz y piano y las versiones orquestales que realiza Ernesto Halffter, y tras la lectura de la correspondencia entre ambos músicos, muestra que el discípulo mantiene las mismas ideas musicales del maestro Manuel de Falla. A partir de estos hallazgos, y ante la realidad vivida en la práctica docente de la Educación Secundaria Obligatoria, donde se viene observando una débil cultura musical respecto al patrimonio de la Región de Murcia, proponemos un proyecto educativo con una metodología de trabajo estructurada para dicha etapa que pueda paliar el problema detectado en la práctica escolar. En este proyecto se trabajará con un repertorio fuera del habitual dentro del aula de Educación Secundaria y que supondrá para el alumnado una iniciación a la investigación, haciéndole protagonista de su aprendizaje y motivándolo a analizar, comprender y valorar el legado artístico musical de la tradición española y, especialmente, murciana. La presente Tesis Doctoral persigue varios objetivos complementarios entre sí, que dentro de la misma están divididos en sus dos partes que la componen: la centrada en el análisis de las obras seleccionadas de Manuel de Falla, y la segunda, cuyo objetivo general gira en torno a diseñar un proyecto educativo (y realizar una primera experiencia práctica) con la finalidad de ampliar el conocimiento teórico y auditivo de la música popular murciana a través de las Siete canciones populares españolas de Manuel de Falla en el alumnado de Educación Secundaria Obligatoria (E.S.O). En cuanto a la metodología utilizada para la realización de este trabajo, es la propia de las ciencias humanísticas, la cual es necesariamente una metodología interdisciplinar. Se va a hacer uso del método histórico, del método analítico-deductivo, del método comparativo e incluso, finalmente, se aplicará el método hermenéutico en algunos de los documentos a los que se pueda tener acceso. Entre las conclusiones de esta tesis destacamos que, en el plano didáctico, tras las actividades planteadas en nuestro proyecto, los resultados recogidos en el cuestionario final arrojan unos valores positivos y dan por alcanzado el objetivo propuesto al comprobar cómo en todas las cuestiones ha habido una mejora significativa; en concreto, todos los encuestados han conseguido entender el concepto de música folklórica, conocer y distinguir piezas propias y distintivas de la Región de Murcia y del nacionalismo musical español, aprender sobre el compositor Manuel de Falla y su obra y enriquecerse y ganar agilidad ante el análisis de partituras. Si nos cuestionamos algún punto débil en el que seguir trabajando de cara a futuros proyectos, sería sin duda el de la predisposición y motivación para escuchar la música trabajada. De cara al futuro, cabe destacar las posibilidades de este proyecto para extrapolar su metodología y estudiar la música popular de cualquier región estableciendo un hilo conductor desde la música regional hasta analizar, comprender y valorar el legado artístico-musical de nuestra tradición
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Referencias bibliográficas: "Gradus ad Parnassum". J.J. Fux. Introducción, traducción y notas de José F. Ortega / por Pedro Redondo Reyes
(Murcia, Universidad de Murcia, Servicio de Publicaciones, 2010) Redondo Reyes, Pedro
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El tema de las vestales en los libretos de ópera
(Universidad de Murcia, 2020-01-13) Gallego Moya, Juan; Álvarez Morán, María Consuelo; Moya del Baño, Francisca; Escuela Internacional de Doctorado
La Tesis tiene como objetivo mostrar un ejemplo significativo de pervivencia del mundo clásico en la cultura occidental. Se trata de ver cómo pervive en la literatura operística el tema de una institución de mujeres romanas dedicadas al culto de la diosa Vesta y que debían permanecer vírgenes durante treinta años; y que, si quebrantaban el voto de castidad, eran enterradas vivas; algunas eran acusadas falsamente, si bien en ocasiones solían ser salvadas por los dioses. Sin duda, la ópera La Vestale, a la que puso música Spontini, es la mejor ópera sobre el tema y la que supuso una “revolución” en la historia de la música operística, y contaba la historia de una vestal infiel. Para ver la pervivencia del tema clásico decidimos editar, traducir y comentare el texto original en francés de E. de Jouy, que había sido sustituido por la traducción al italiano de G. Schmidt. Acudimos a los textos clásicos y buscamos y estudiamos los libretos que precedieron al de Jouy, a saber, los de Metastasio-Durazo de L´innocenza giustificata de Gluck, 1755 (también la “versión” revisada, La vestale. Festa teatrale per musica, de 1768); el de Badini de La Vestale, con música de Vento, el de La Vestale de Giordani, de 1785, y el de La vergine vestale de Prunetti, con música de Albertini, de 1803. Además de estos libretos, tratamos de conocer todas las obras escritas sobre el tema y que pertenecían a distintos géneros literarios. Consideramos probable que los libretos tuviesen alguna relación con ellas. Son Cornelie.La Vestal, de Henault y Fuzelier, tragedia (1713), Tucia Vestale, de Ch. de Clapiers, novela histórica (1722); La Vestale Clodia a Titus, de Lesuire, heroidas (1767); Ericie ou la Vestale de Fontanelle, tragedia (1768); Julia ou la Vestale, pantomima, de Parissau, (1786); Augusta, de D´Églantine, tragedia (1787); Il Supplicio di Emiglia de Gianni, idilio (1788); La Vestale, o sia Elvia e Sempronio de Morelli, novela (1796); La vestale et l´Amour, vaudeville anacreóntico de Henrion (1804). El estudio de estas obras lo hemos realizado con la metodología requerida, consistente en la lectura en profundidad de los textos y la consulta crítica de la bibliografía especializada, comenzando por los textos clásicos. Los resultados obtenidos son haber editado, traducido y realizado un estudio, literario y musical de La Vestale de E. de Jouy, incidiendo en sus fuentes, clásicas y contemporáneas, y en su actualidad. La constatación de las evidentes relaciones y deudas entre libretos y otra clase de obras. Cornelie está, por ejemplo, en la base de Badini y éste de De Jouy, aunque hay más influencias. Hemos comprobado que el XVIII es el siglo “de las vestales”. El tema responde al espíritu de la época. Los autores tienen una gran cultura y están fuertemente ideologizados. Voltaire es su referente. Detectamos la actualidad del mundo clásico, pues la vestal antigua habla de temas que permanecen en el presente: defiende la libertad y se opone a las leyes religiosas que están contra la Naturaleza; defiende el amor frente al celibato; es una mujer digna, y critica al poder, religioso y civil; y a los padres que obligan a sus hijas a ser vestales, como las obligaban a ser monjas. Todo ello nos ha llevado a mostrar que, además de sus grandes valores literarios, estas obras constituyen un material fundamental para el estudio de la sociedad y del feminismo del XVIII.

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