Browsing by Subject "Creación artística"

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    La aportación de Román Gil al libro de artista: el autorretrato sin fin
    (2016-02-11) Guillén Martínez, Francisco José; Maya Sánchez, Baldomero de; García López, Antonio; Departamento de Bellas Artes
    Esta investigación busca encajar la obra de Román Gil en la tradición del libro de artista. En una época en la que éste se encuentra en su momento de madurez, él mismo ha posibilitado el que tanto una imagen de lugar a su verbalización como el que un texto escrito devenga en una imagen visual. Ahora es también el momento de incorporar a esta incipiente disciplina parte de la genealogía que ha deparado la configuración del libro como lugar de todos los elementos temporales que constituyen la lengua hablada. Así visto, el libro se manifiesta como una forma simbólica autónoma y bien distinta que el texto al que da sustento. Es en este punto donde hemos querido comprobar si en la obra de Gil se da ese valor genuino del arte capaz de hacernos aprehender los significados de las imágenes a través de la forma. El factor de regulación al que queremos aludir y que goza de los valores gráficos, escultóricos y pictóricos de todo el itinerario que dio lugar a la configuración de los sistemas escritos, es el que sospechamos que implícitamente subyace, más que en la escritura, en la configuración de ésta. Paradójicamente, es en la obra de un autor que hace libros de artista con una expresa renuncia a la palabra escrita, donde buscamos la hermenéutica de los símbolos que han conseguido objetivar la realidad con la mayor precisión habida a nuestro alcance. Pero no es para comprenderla bajo este punto de vista, sino para averiguar si las imágenes plásticas son capaces de ser elocuentes a través de un objeto -el libro- que ha sido concebido como sede espacial de la contingencia temporal que es el habla. De la mano de la obra de Gil conocida como las Carpetas de Román, nos hemos adentrado en la prehistoria de la escritura para tratar de entender cómo se acaba encriptando en ella todo el ritual de la experiencia plástica y cómo en este proceso surge un objeto tan específico como pueda ser el libro que, para nosotros está al mismo nivel conceptual que el cuadro. Más tarde, hemos observado el proceso de creación de este artista para averiguar de qué manera consigue transferir las particularidades del género pictórico del autorretrato a la disciplina del libro de artista, sabiendo que este autor renuncia a la representación formal de los datos plásticos emparentados con el parecido anatómico y psicológico. Hemos investigado también su capacidad para referirse a la realidad a través de los órganos sensoriales regentes de parcelas sensitivas de las que no dan debida cuenta y hemos tratado de averiguar si las imágenes que detrae de estas experiencias son vividas o dependen de un carácter metafórico de carácter cultural. Posteriormente, indagamos en el tipo de formación académica y las afinidades electivas que hayan podido influir en su talante y en su voluntad de hacer un arte a través de un medio que parece haber surgido para reflejar la materialización perceptual de la realidad a través de la palabra. A partir de este punto de vista, hemos podido comprobar cómo Gil actualiza el modelo canónico que dio lugar a las primeras bibliotecas a través de las series artísticas que emprende y en base a los ordenamientos que establece con su propia producción artística. Por último, hemos analizado su quehacer artístico, así como los materiales empleados en su obra con la intención de aprehender su manera de unir géneros pictóricos con materiales experimentales y procedimientos alternativos, más allá de sus usos y de sus funciones. This research is an attempt to place the work of Román Gil within the artist book tradition. In his maturity stage, he himself has made it possible for an image to become its verbal representation, as well as enable a written text to become a visual image. Now it is also the time to incorporate to this incipient discipline, part of the genealogy which has turned the structure of a book into the meeting place of all the temporal elements constituting the spoken languages. It is at this point that we have sought to prove if, in Gil's work, there can be found that genuine artistic value which can allow us to grasp the meanings of the imagery through its form. The control factor to which we want to refer, and which contains the graphic, sculptural and pictorial values of the whole itinerary originating the structure of the written systems, is which we tend to believe that implicitly underlies, rather than writing, its layout. Paradoxically, it is in the work of an author creating artist books and explicitly renouncing the written word, where we look for the hermeneutics of those symbols which have attained to make reality tangible, with the greatest possible precision available to us. But it is not our aim to understand it from his point of view but to enquire if the plastic images can express themselves through an object, -the book-, which has been conceived as the place for the temporal contingency given in speech. Hand in hand with Gil's work, known as the Román Files, we have ventured into the prehistory of writing, in an attempt to understand how it is possible to arrive at encrypting in it all the ritual of the plastic arts experience, and how, in the process, such a specific object as a book, which to us has the same conceptual level as a picture, takes on life. Furthermore, we have observed this artist's creative process to discover how he manages to transfer the specifics of the self-portrait pictorial genre to the artist book discipline, considering that this author renounces the formal representation of the plastic arts data related to the anatomic and psychological resemblance. We have also examined his capacity to refer to reality through the sensory organs governing unaccounted for sensitive areas, aiming to discover if the images he draws from these experiences come from life or derive from a metaphorical cultural character. Later still, we enquired into his academic background and his selective affinities which could have influenced his character, and his decision to make an art out of a medium which seems to have been created to reflect the perceptual materialization of reality through the word. From this standpoint, we have been able to understand how Gil brings up to date the canonical model which originated the first libraries to appear, through the artistic series he produces and on the basis of the order he sets on his own artwork. Lastly, we have analyzed his production as well as the materials he uses, in an attempt to grasp his way of combining pictorial genres by means of experimental materials and alternative procedures, which go beyond their customary uses and functions.
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    Construcción y deconstrucción del plástico como material picto-escultórico: investigación con nuevas aplicaciones de procedimientos mecánicos de fresado e impresión en 3D
    (Universidad de Murcia, 2018-02-20) Alonso Ureña, Pedro; García López, Antonio; Facultad de Bellas Artes
    Esta investigación aborda las posibilidades expresivas y el potencial de un material como el plástico, dentro del entorno picto-escultórico aplicado a la producción artística. Por medio de la introducción de las nuevas tecnologías en los procesos creativos, se explora la dualidad entre lo humano y lo tecnológico, diluyendo la barrera entre lo intangible y lo puramente material. En ese proceso tienen un papel destacado los distintos tipos de materiales con los que hemos investigado, tales como el PVC de calandra, el espumado y el PLA. Su novedad como materiales para el arte, nos ha permitido establecer un diálogo a distintos niveles, actuado como un punto y aparte entre los procesos industrializados, el empleo de máquinas y el resultado final obtenido a partir de los métodos más artesanales. La utilización de nuevos materiales en el Arte, da paso a nuestra particular forma de trabajo basada en el empleo de máquinas de control numérico computarizado (CNC), y en el concepto de deconstrucción coligado a los procesos sustractivos de tradición escultórica. Pero no solo hemos de entender la deconstrucción como una técnica de trabajo, sino que además nuestra investigación se enriquece con teorías de pensadores como Jacques Derrida o Roland Barthes. A su vez, esas ideas de deconstrucción nos han animado a interesarnos por un concepto antagónico, pero complementario como es el resultante de la aplicación de procesos constructivos. Al hablar de la construcción nos debemos remontar a la historia de las máquinas y su evolución en relación con la incorporación de los nuevos materiales. Del mismo modo, y ya en la parte práctica de nuestra investigación, la construcción ha sido vinculada a la idea de adición de materiales, y a su potencial tecnológico mediante la utilización de las actuales máquinas de impresión en 3D. Como núcleo de nuestra disertación dentro del campo artístico, nos hemos apoyado en objetivos centrados en el desarrollo de un lenguaje expresivo, donde tengan cabida el concepto pintura y escultura, construcción y deconstrucción. Otro elemento a destacar son los materiales industriales desvinculados de su uso cotidiano, para dar paso a una propuesta personal donde las obras sean procesadas tanto manual, como mecánicamente. En paralelo al desarrollo de esa propuesta personal, hemos explorado la versatilidad plástica de estos materiales, sus usos y aplicaciones en diferentes campos de trabajo, apoyándonos en las obras de artistas que han sido fuente de inspiración técnica, conceptual o representacional, en relación a nuestra forma de entender el arte. Por tanto, en la presente tesis encontramos en un mismo plano tanto los fundamentos teóricos investigados como los procedimientos artísticos, formando así un conjunto teórico-práctico cuya fortaleza desemboca en un proyecto artístico personal donde el propio material y sus procesos de manipulación, son los auténticos protagonistas. Pero esos procesos creativos requieren de una metodología empírica que les confiera validez académica y científica. Dicha metodología parte de las cuestiones planteadas en la hipótesis, que a su vez dieron paso a la justificación y a los objetivos que la preceden. Cuando hacemos mención a la metodología, referenciamos también a los métodos basados en ensayo-error, documentados mediante fichas de ensayos plásticos, que aportan un carácter cualitativo propio de nuestra disciplina. Del mismo modo, no podemos olvidar la exploración de diversos autores contemporáneos, entre ellos, y de un modo destacado a los artistas que trabajan con estos nuevos materiales. Por todo ello, en el desarrollo de nuestra obra plástica tienen gran importancia el estudio previo, el registro de los pasos andados, y la documentación de los ensayos plásticos realizados. De este modo, concluiremos que los resultados alcanzados pueden ser fácilmente contrastados, e incluso pueden ayudar a otros en el futuro a continuar investigando a nivel artístico sobre los plásticos adaptados a máquinas de control numérico e impresoras en 3D. Consideramos que el conjunto de experimentaciones presentes en esta tesis, nos han permitido desarrollar un método de trabajo personal con identidad propia y plenamente inscrito en el ámbito artístico, al tiempo que los datos aportados facilitarán el avance en una línea de trabajo que hasta el momento no había sido lo suficientemente abordada. Palabras clave: Deconstrucción, vacío, mecanizado, fresado, CNC, construcción, modelado en 3D, impresión 3D, FDM, PVC, PLA, transferencias, acumulación, chaquiras, arte huichol, electrólisis. This research deals with the expressive possibilities and potential of plastic, within the picto-sculptural field applied to artistic production. Through the introduction of new technologies into creative processes, the duality between the human and the technological is explored, diluting the barrier between the intangible and the purely material. In this process the different types of materials, which we have investigated with, such as the calander PVC, the foaming and the PLA, play a prominent role. Its novelty as materials for art, has allowed us to establish a dialogue at different levels, acting as a turning point between the industrialized processes, the use of machines and the final result obtained from the most handmade methods. The use of new materials in the Art gives way to our particular form of work based on the use of computerized numerical control (CNC) machines and the concept of deconstruction related to the subtractive processes of sculptural tradition. But we must not only understand deconstruction as a working technique, but also our research is enriched with theories of thinkers such as Jacques Derrida or Roland Barthes. At the same time, these ideas of deconstruction have encouraged us to take an interest in an antagonistic but complementary concept, such as the result of the application of constructive processes. When talking about the construction we must go back to the history of machines and their evolution in relation to the incorporation of new materials. In the same way, and already in the practical part of our research, construction has been linked to the idea of adding materials, and to its technological potential through the use of current 3D printing machines. As the core of our dissertation in the field of art, we have supported objectives focused on the development of an expressive language, where the concept of painting and sculpture, construction and deconstruction can be accommodated. Another element to highlight is the industrial materials unrelated to their daily use, to give way to a personal proposal where the works are processed both manually and mechanically. In parallel with the development of this personal proposal, we have explored the plastic versatility of these materials, their uses and applications in different fields of work, relying on the works of artists who have been a source of technical, conceptual or representational inspiration, in relation to our way of understanding art. Therefore, in this thesis we find in the same level both, the theoretical foundations investigated as the artistic procedures, forming a theoretical-practical set whose strength ends in a personal artistic project where the material itself and its processes of manipulation, are the authentic Protagonists. But these creative processes require an empirical methodology that gives them academic and scientific validity. This methodology starts from the questions raised in the hypothesis, which in turn gave way to the justification and the objectives that precede it. W hen we mention the methodology, we also refer to methods based on trial-error, documented using plastic test sheets, which provide a qualitative character of our discipline. In the same way, we cannot forget the exploration of diverse contemporary authors, highlighting the artists that work with these new materials. Therefore, in the development of our plastic work the previous study, the record of the steps taken, and the documentation of the plastic tests performed are of great importance. In this way, we will conclude that the results achieved can be easily verified, and may even help others in the future to continue researching at the artistic level on plastics adapted to numerical control machines and 3D printers. We consider that the set of experiments present in this thesis, have allowed us to develop a method of personal work with its own identity and fully inscribed in the artistic field, while the data provided will facilitate progress in a line of work that until now had not been sufficiently addressed. Keywords: Deconstruction, vacuum, machining, milling, CNC, construction, 3D modeling, 3D printing, FDM, PVC, PLA, transfers, accumulation, chaquiras, huichol art, electrolysis.
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    Creatividad y aptitudes en alumnos de Educación Secundaria en los dominios figurativo y musical
    (2015-11-11) Valverde Martínez, Francisco Javier; Prieto Sánchez, María Dolores; Ferrando Prieto, Mercedes; Sainz Gómez, Marta; Facultad de Psicología
    El trabajo titulado “Creatividad y Aptitudes en Alumnos de Educación Secundaria en los Dominios Figurativo y Musical”, tiene por objetivo confirmar la existencia de un constructo de creatividad musical. A fin de estudiar dicho constructo se ha llevado a cabo, en primer lugar, una revisión teórica sobre el concepto de creatividad, entendida esta en sentido amplio, revisando los modelos explicativos más relevantes (Guilford, 1950; Torrance, 1962; Gardner 1983; Sternberg & Lubart, 1995); así mismo, se ha profundizado en el debate sobre la especificidad de dominio de las habilidades creativas (Baer, 1993; Kaufman & Baer, 2005; Plucker & Beghetto, 2004). En segundo lugar, dado que nuestro trabajo se centra en la creatividad musical, se ha hecho una revisión sobre el concepto de aptitudes/habilidades musicales, para poder entender qué comprenden dichas habilidades (aspectos perceptivos, auditivos, memoria, así como motores, ejecutivos y emocionales); también se analiza cómo se desarrollan dichas aptitudes/habilidades a lo largo del ciclo vital y cuáles han sido las distintas formas de evaluar estas destrezas. En tercer lugar, se muestra las definiciones y se analizan las investigaciones relevantes sobre el constructo de “creatividad musical”. Muy especialmente caben destacar las aportaciones de Margaret Vaughan (1973), quien fue pionera en investigar el constructo de creatividad (general) en el dominio específico de la música, así como los trabajos de Webster (1989, 1994), quien ofrece una definición de la creatividad musical y un modelo explicativo, en el cual se fundamenta a la hora de elaborar su test de medida de la creatividad musical. Se revisan algunas de las aportaciones de distintos autores referidas a la mejora de las destrezas creativas en el dominio de música. Nuestro trabajo empírico se ha marcado distintos objetivos. Por un lado, conocer la fiabilidad y validez de las pruebas utilizadas. Por otro, se han marcado los siguientes objetivos: - Confirmar la existencia de un constructo de creatividad musical. - Estudiar la relación entre los distintos dominios de la creatividad. - Estudiar la relación de la creatividad con la habilidad (intelectual y musical). - Estudiar los efectos del género y el curso sobre la creatividad: general-figurativa y musical. En el estudio participaron un total de 74 alumnos de Educación Secundaria (41 eran chicas y 27 eran chicos, 4 no indicaron su género). La medida de la creatividad general-figurativa se llevó a cabo utilizando el Test de Pensamiento Creativo de Torrance (TTCT, Torrance, 1974). La creatividad musical fue valorada utilizando distintas tareas provenientes de diferentes tests: del test de Vaughan (1973) se extrajeron las tareas de Diálogos rítmicos e Improvisación rítmica. Del test diseñado por Webster (1989) se tomaron las tareas de Lluvia y Batalla espacial. Del test diseñado por Wang (1985) se tomó la tarea “Cacharros”. Además, se diseñaron dos tareas para este trabajo (Valverde, 2011): Notas- Melodías instrumental y Poesía-Melodía cantada. Estas tareas miden las dimensiones de fluidez, flexibilidad, originalidad, elaboración Sintaxis musical y Sentido melódico. También se recogieron las evaluaciones de los profesores sobre la creatividad de los alumnos, usando para ello un cuestionario diseñado ad-hoc. Se utilizó la prueba IGFr5 (Yuste, 2002) como medida de la habilidad intelectual, y la prueba de Seashore (Seashore, Leweis, & Saetveit, 1992) como medida de la aptitud musical. En lo referente a nuestro primer objetivo, pudimos comprobar, mediante análisis factorial confirmatorio, la existencia de un constructo de creatividad musical, el cual subyace a la especificidad de las tareas utilizadas y a la especificidad del diseñador de las mismas. Por tanto, cabe pensar que la creatividad no sólo es específica de dominio, sino también de tarea, como sugiere Baer (2009). Referente a las correlaciones entre las siete tareas de creatividad musical y la prueba de creatividad figurativa (TTCT), hemos encontrado que correlaciona de forma moderada en sentido positivo con la prueba de Webster (Lluvia y Batalla) y, en sentido negativo, con la prueba Improvisación de Vaughan. Nuestros resultados estarían de acuerdo con los hallados por Kiehn (2003), quien encontró una correlación débil pero estadísticamente significativa entre la creatividad musical (medida con el test de Vaughan) y la creatividad general medida con el TTCT. En cuanto a la relación entre las habilidades de la creatividad musical con las habilidades intelectuales (evaluada mediante el IGF-5r) y las aptitudes musicales (test de Seashore), se encontraron patrones inversos de correlación según las tareas de medida. De forma que la prueba de Vaugham (1973) correlaciona de forma significativa con algunas de las aptitudes musicales, pero no muestra correlaciones estadísticamente significativas con las aptitudes de la inteligencia. Las tareas de Wang (1985) y las de Webster (1994) correlacionan de forma positiva con algunas dimensiones de la inteligencia (IGF5r), pero no presentan correlaciones estadísticamente significativas con las dimensiones de la aptitud musical. Respecto a la diferencia según edad y género, nuestros resultados muestran que no existen diferencias estadísticamente significativas en creatividad musical según estas variables. El trabajo concluye con unas discusiones e implicaciones sobre los resultados obtenidos. Esta investigación supone un paso más en el entendimiento sobre cómo la creatividad se manifiesta en un grupo de estudiantes, y sobre su naturaleza. Pensamos que una de las principales aportaciones de nuestro trabajo, está en ofrecer herramientas que permitan la identificación del potencial creativo y el talento musical, para en un futuro poder desarrollar intervenciones educativas adecuadas a la diversidad de estos talentos y crear contextos colaborativos de creación musical de forma efectiva en el aula (Giglio, 2013). The work entitled “Creativity and aptitudes of Secondary Education Students in the figurative and musical domains”, aims to confirm the existence of a musical creativity construct. To do so, firstly a literature review about the concept of (general) creativity was conducted, studying the most relevant explicative models (Guilford, 1950; Torrance, 1962; Gardner 1983; Sternberg & Lubart, 1995), and taking into account the debate about the generality vs. Specificity of creative abilities (Baer, 1993; Kaufman & Baer, 2005; Plucker & Beghetto, 2004). As our work is focused on musical creativity, a review of the concept of musical aptitudes/abilities as introduced, to better understand what constitute such abilities (i.e. perceptive aspects, memory, psycho-motor aspects and emotional components); and how such abilities develop in life-span, as well as different procedures to measure such skills. Closeer to our topic of study, the chapter 3 show different definitions and research on “musical creativity”. In this aspect, it is specially relevant the contributions of Margaret Vaughan, how was a pioneer on the research field. She adapted the the general conception of creativity measure to the specificity of music domain. Also Webster is a relevant contributor to the field, as he offered a definition and a explanatory model in which he based his measure of musical creativity. Other contributions are also analyzed in this chapter related to the development and training of musical creativity. Our empirical work has different objectives. On one hand to study the psychometrical properties of the different measure instruments used. On the other to answer the following questions: - To confirm the existence of the construct of musical creativity - To study the relation between the different domains of creativity - To study the relation between creativity and ability (both intellectual and musical) - To study the effects of gender and academic course on general-figurative creativity and musical creativity. Seventy-fourth Secondary Education students took part in this research (41 were girls and 27 were boys, 4 of the participants did not indicated their gender). To measure general-figurative creativity Torrance Test of Creative Thinking was used (TTCT, Torrance, 1974). Musical creativity was assess using different task from three different test: From the test designed by Vaughan (1973) the task Rhythmical Dialogs and Ritmic Improvisation were used. From the test designed by Webster (1989) the tasks Rain and Spatial Battle were used. From Wang (1985) test the first task was used (we called “Pottery”). In addition two task were designed ad-hoc for this research (Valverde, 2011): Notes-Instrumental Melodies and Poetry-Sung Melody. These task measure the dimensions of Fluency, Flexibility, Originality, Elaboration, Musical Sintaxis and Melodical Sense. Also a teacher’s evaluation of students general creativity was collected thru a questionnaire designed for this study. To measure intellectual ability the IGFr5 (Yuste, 2002) was used; and to measure Musical aptitudes the Seashore test (Seashore, Leweis, & Saetveit, 1992) was used. Regarding our first aim, it was corroborate throught the use of Confirmatory Factor Analysis the existence of a musial creativity construc. It underlies both the specificity of tasks used in this study, and the specificity of task designer (Vaughan, Webster, Wang, Valverde). Therefore, it can be maintain that that creativity is not just domain specific, but also task specific as suggested by Baer (2009). With reference to the relation between the musical creativity task and the figurative creative measure (TTCT), moderate correlations were found with positive sign with Webster’s task (Rain and Battle), and with negative sense with Vaughan’s Improvisation. Our results agree with Kiehn (2003), who found a weak correlation but statistically significant between musical creativity (measured with Vaughan test) and general-figurative creativity (TTCT). Regarding the relationship between musical creativity and intellectual abilities (measured by the IGF-5r) and musical aptitudes (Sehashore test), inverse patterns of correlations were found depending on creativity task. So that, Vaughan’s (1973) tasks correlated significantly with musical aptitudes (Seashore test), but do not show statistical significant correlation with intellectual abilities. Wang’ (1985) and Webster’s (1994) significantly correlated with some intellectual abilities, but did now show significant correlation with musical aptitudes. Lastly, according to our results, there are not differences on musical creativity depending on gender. This works conclude with some discussions and implications of the results obtained. This research represents a step further in the understanding on how creativity is manifested in students, and about its nature. We think that one of our main contributions is to offer different instruments that allow the identification of creative potential and musical talent, to develop further interventions adequate for those students, creating collaborative context of musical creation (Giglio, 2013).
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    El criterio artístico
    (Universidad de Murcia, Servicio de Publicaciones, 2020) Infante del Rosal, Fernando
    La disciplina estética se ha interesado frecuentemente por el criterio estético –aquel por el que se discrimina o se determina qué es y qué no es el arte, o bien si algo es o no arte– pero raras veces se ha preguntado qué son y cómo operan los criterios artísticos, aquellos que están implicados en la creación o la crítica. Este artículo pretende ofrecer una caracterización de tales criterios a partir de su relación con la regla y con el juicio, elementos que remiten al pensamiento de Hume y de Kant respectivamente. Se presenta también una revisión de las ideas de autores como Stanley Cavell o Yves Michaud acerca del criterio.
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    Elaboración de pastas papeleras para uso artístico a partir de hoja caduca de árboles frutales
    (2014-10-07) Villalba Gómez, José Víctor; Castillo Moriano, María del Carmen; Cuervo Pando, Alfredo; Facultad de Bellas Artes
    OBJETIVOS Esta tesis doctoral está construida en función de unos objetivos muy concretos que tienen como base fundamental los parámetros de sostenibilidad medioambiental del arte y de la industria papelera. Teniendo esto en cuenta, planteamos unos objetivos generales en los que se revisará: la normativa medioambiental en esta industria, proyectos papeleros con finalidades artísticas que aprovechan y reciclan recursos naturales poco usuales, identificación de los distintos tipos de procesos, fibras, cargas y colas que son utilizados en el campo papelero, y el análisis de producciones artísticas creadas a partir de la manipulación de diversas pastas papeleras. Sucesivamente, planteamos objetivos específicos destinados a profundizar en un método alternativo de elaboración de papel y obra artística a partir de pastas papeleras procedentes de hoja caduca de árboles frutales. Este objetivo es el núcleo central de esta tesis y se corresponde al análisis de un caso, la hoja del melocotonero. A continuación se analizarán todos los papeles y obras realizadas para realizar una posterior extracción de resultados y conclusiones, y verificar si dichos materiales son adecuados para uso como técnica artística. METODOLOGÍA El planteamiento metodológico de este trabajo es experimental, con la finalidad de establecer una posible generalización dentro de un marco de innovación artística. Los diversos métodos empleados son: Búsqueda documental de fuentes bibliográficas e informes técnicos procedentes de museos, institutos agrarios, laboratorios, archivos y bases de datos, realización de pruebas iniciales para comprobar la factibilidad de la hoja de melocotonero al ser transformada a papel, recogida y selección de la hoja para su posterior secado y análisis en laboratorio, elaboración de papeles resultantes de cada variedad de hoja y así recoger los resultados obtenidos, y análisis de los resultados obtenidos. A partir del punto anterior y tras conocer las cualidades de cada pulpa de papel, se ha realizado una propuesta artística mediante la incorporación de otro tipo de variaciones. Para ello, se han seguido los siguientes pasos: realización de obras iniciales con incorporación de variaciones técnicas, realización de obras aplicando técnicas tradicionales, y realización de obra artística final. RESULTADOS Y CONCLUSIONES De todo el proceso de trabajo planteado en los objetivos, se han obtenido las siguientes conclusiones y resultados: De las cuestiones generales planteadas: Respecto a la industria papelera, se está llevando a cabo una profunda transformación para la fabricación de papel, minimizando la merma de los recursos naturales existentes. Existen diversos organismos que trabajan con proyectos de producción de papel que explotan y reciclan materias primas inusuales. Existen diferentes proyectos y programas artísticos en los que se elaboran producciones papeleras a partir de materias vegetales inusuales. Debido a la gran cantidad de artistas que trabajan con pastas papeleras, y a los diversos métodos y materiales de producción de obra artística que utilizan, se pueden identificar cuatro grandes líneas de producción. En función de los resultados de la aplicación de la metodología de investigación, podemos extraer las siguientes conclusiones: La hoja de melocotonero se constituye en una materia prima adecuada para la aplicación a un proceso viable de transformación a pastas papeleras y papel, y consecuentemente son susceptibles de ser empleadas en técnicas de producción artística, no presentando en ningún caso variaciones remarcables. Se ha validado un papel que, atendiendo a los aspectos perceptivos y generales analizados, muestra excelentes características. Con la pasta validada se pueden realizar obras con distintos formatos, e incorporar una gran variedad de elementos gráficos. La pasta papelera que ha sido validada en todas sus características se presenta como un material muy versátil, fácil de trabajar y manipular y adecuado para realizar técnicas artísticas, fundamentalmente aquellas que tienen que ver con aspectos plásticos de tipo matérico. OBJECTIVES This PhD thesis is conducted according to specific targets based on parameters of art and environmental sustainability in the paper industry. With this in mind, we propose general objectives that will be reviewed: environmental regulation in this industry; papermaking projects for artistic purposes to reuse and recycle unusual natural resources; identification of different types of processes, fibers, fillers and glues are used in the paper field; and analysis of artistic productions created from the manipulation of paper pulps. Furthermore, we propose specific objectives to develop an alternative method of making paper sheets and artwork from pulps from deciduous fruit trees. This objective is the core of this PhD thesis and corresponds to the analysis of a specific case, Peach leaf. After that, all paper works made for a subsequent extraction of results and conclusions will be discussed, and verifying whether those materials are suitable for use as an artistic technique. METHODOLOGY The methodological approach of this work is experimental, in order to establish a possible generalization within a framework of artistic innovation. The different methods used here are: Document search of bibliographic sources and technical reports from museums, agricultural institutes, laboratories, archives and databases; initial feasibility testing for peach leaf paper to be transformed; collection and blade selection for subsequent drying and laboratory analysis; manufacture of paper sheet of each variety and result extraction; and finally, result analysis. From the above point and after learning the qualities of each paper pulp, an artistic proposal has been made by incorporating other variations. In this sense, we have applied the following steps: initial works were conducted incorporating technical variations, traditional techniques were applied and final artworks were obtained. RESULTS AND CONCLUSIONS From the proposed objectives described above, we obtained the following findings and conclusions: General conclusions: Regarding the paper industry, we have conducted a deep transformation for papermaking, minimizing the depletion of natural resources. There are several agencies working with paper production projects that exploit unusual and recycled raw materials. There are different art projects and programs in which paper productions are made from unusual plant materials. Due to the large number of artists working with pulps, and the various methods and materials production using artwork, we can identify four major production lines: Peach leaf constitutes a suitable raw material for the application for a viable process for paper pulp processing and paper, and is therefore likely to be used in art production techniques, presenting no remarkable changes in any case. We have validated a paper sheet based on perceptual and general aspects, showing excellent features. With the validated paste many works can be produced in various formats, incorporating a great variety of graphic elements. The pulp that has been validated in all characteristics is presented as a very versatile material, easy to work and appropriate to manipulate in artistic techniques, primarily those that deal with plastic aspects.
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    En la cabina del camión: Arquitecturas plásticas expandidas en la serie «Europeras» de John Cage.
    (2013) Romanos, Susana G.
    El trabajo transgresor del artista y compositor John Cage es ampliamente conocido. Rompedor de las reglas convencionales en música, traspasó fronteras disciplinares acabando por completar lo comenzado por Marcel Duchamp en el campo de las artes. Así, su constante replanteamiento de todo lo que conlleva la tradicional cultura occidental europea le llevó nada menos que a querer dinamitar la base musical de esta sirviéndose de una de sus manifestaciones más distintivas, la ópera. Sin embargo, lo que en un principio empezó siendo un ataque frontal pasó, poco a poco, a convertirse en un entendimiento que desembocó en la aceptación y el respeto. Este proceso evolutivo es el que se estudia –desde la perspectiva de las artes plásticas– en esta investigación. Evidentemente, existen muchos más prismas desde los que enfocar este trabajo de cinco «óperas» de Cage. Por ello, lo que se pretende aquí, es mostrar uno de ellos con el fin de que suponga un comienzo para posteriores investigaciones que amplíen el conocimiento de la teoría del compositor pues recordemos que lo importante de su obra es precisamente el hecho de que nos hace pensar.
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    Habitando la distancia : el alginato como material definitivo en una propuesta artística
    (Universidad de Murcia, 2018-02-12) Alegría Pellicer, Amparo; Robles Reinaldos, Gerardo Diego; Facultad de Bellas Artes
    El empleo de nuevas técnicas y materiales, así como diferentes maneras de expresión artística, ha sido un continuo reto para los creadores. En el imaginario colectivo de lo social existe una instauración de nuevas realidades y percepciones relativas al individuo en relación al colectivo, donde el tiempo, la memoria y el registro, son conceptos a resignificar y mostrar. Concretamente, el modo de interpretar el tratamiento del tiempo como registro o memoria en el arte. Para ello se realizará una exploración historiográfica sobre los conceptos de tiempo, memoria e imagen, y la identificación de preceptos actuales a través de la imagen y el lector, representación de la realidad, los lugares de la memoria, la imagen como objeto de construcción, la huella como retenedora del tiempo y la imagen en el espacio artístico. Además, indagaremos sobre la transformación, reproducción, composición y reinterpretación artística, abordando la construcción de nuevas identidades desde la síntesis de las formas, composición y estética. Abordaremos los conceptos de obra abierta, obra cerrada, equilibrio de la obra o la pérdida del centro. El intervalo que se produce desde los acontecimientos surgidos a partir de la pieza estética hasta el público receptor. Nos centraremos en la hipótesis de partida de que la singularidad de los objetos o grupos de ellos, se determinan no sólo por sus propiedades, sino por su relación con los otros, desde diferentes aspectos, como la dimensión temporal, espacial y la memoria. Durante la generalidad de la investigación distinguiremos claramente una parte conceptual sobre la fundamentación teórica y otra práctica, que se ocupará de los procedimientos de la creación de la propuesta, hallándose una estructura formal académica y secuencial de las temáticas involucradas, pero ofreciendo un análisis desde la mirada del arte como producción, derivada de los estudios de Bellas Artes. Entre los objetivos conceptuales se inicia una investigación específica con metodología científica relativa y orientada a las Bellas Artes. Se parte de la idea como hipótesis de partida, hasta la formalización de una propuesta plástica como resultado de un proceso experimental y creativo en la definición de la obra. Entre los objetivos metodológicos está indagar a través de una investigación específica sobre posibilidades plásticas, utilizando metodología científica relativa sobre nuevos materiales que, aun siendo utilizados en otros ámbitos, pueden ser de interés en la práctica artística, así como fomentar la innovación y la incorporación de nuevos materiales en la enseñanza universitaria de Bellas Artes. La propuesta se dirige a indagar sobre nuevos imaginarios estéticos del espectador desde la rememoración, que le son propios como idearios, pero son adquiridos por el público en su experiencia única. Se trataría pues, de que el receptor construya los conceptos estéticos como experiencia propia, siendo él, el espectador, el que vincula la propuesta, disposición y formalización con su propia presencia, conformando una experiencia propia, única y esencial. Todo ello sin que se le atribuya protagonismo al artista, ni siquiera al material, el alginato, que aun a pesar de haber demostrado sus características excepcionales para nuestros objetivos, en su participación en los procesos no intervenga con carácter propio, sino que sea replicante en mayor medida del original. O lo que sería lo mismo, que conservando los rasgos, huellas y apariencia relativos al original, no aportará más características que la escala u otro tipo de variación dimensional. Como conclusiones se puede destacar que los ensayos han permitido corroborar la hipótesis de que el espectador habite su propia distancia con respecto a las cosas que le rodean a través de un producto para la praxis artística denominado alginato. Ya sea interviniendo en el proceso, ya como material definitivo de la pieza artística. The use of new techniques and materials, as well as different ways of artistic expression, has been a continuous challenge for creators. In the collective imaginary of the social there is a instauration of new realities and perceptions relative to the individual in relation to the collective, where time, memory and register are concepts to be shown and to be given a new meaning. In particular, the way of interpreting the treatment of time as a registration or a memory in art. For this purpose, an historiographic exploration of the concepts of time, memory and image will be carried out, as well as the identification of current precepts through the image and the reader, the representation of reality, the places of memory, the image as an object of construction, of the footprint as retention of time and image in the artistic space. In addition, we will investigate the transformation, reproduction, composition and artistic reinterpretation, addressing the construction of new identities from the synthesis of forms, composition and aesthetics. We will approach the concepts of open work, closed work, balance of the work or loss of the center. The interval that occurs from events arising from the aesthetic piece to the receiving public. We will focus on the starting hypothesis that the singularity of the objects or groups of them is determined not only by their properties, but by their relation to the others, from different aspects, such as the temporal dimension, space and memory. During the generality of the research, we will clearly distinguish a conceptual part about the theoretical basis and another part about practice, which will deal with the procedures of the creation of the proposal, being a formal academic and sequential structure of the themes involved, but offering an analysis from the view of art as production, derived from Fine Arts studies. As part of the conceptual objectives, a specific research is initiated using relative scientific methodology and oriented to the Fine Arts. Based on the idea as starting hypothesis, until the formalization of a plastic proposal as a result of an experimental and creative process in the definition of the work. Among the methodological objectives is to investigate through a specific research on plastic possibilities, using scientific methodology related to new materials that, although used in other areas, may be interesting in artistic practice, as well as promoting innovation and incorporation of new materials in the academical teaching of Fine Arts. The proposal is directed to inquire about new aesthetic imaginaries of the spectator from the recollection, which are their own as ideology, but are acquired by the public in their unique experience. It would be that the receiver constructs the aesthetic concepts as his own experience, being himself, the spectator, who links the proposal, arrangement and formalization with his own presence, forming an individual, unique and essential experience. All this without attribution of protagonism to the artist, not even the material, the alginate, which despite having demonstrated its exceptional characteristics for our objectives, in its participation in the processes does not intervene with its own character, but simply as a replicant of the original. In other words, keeping the traits, marks and appearance relative to the original, will not give more characteristics than the variation of scale or other kind of dimensional variation. As conclusions it can be emphasized that the tests have permitted to corroborate the hypothesis that the spectator inhabits its own distance with respect to the things surrounding him through a product for the artistic praxis denominated alginate. Whether intervening in the process, or as definitive material of the piece.
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    La realidad virtual en la creación artística. Conceptos, tecnologías, trayectoria y actualidad
    (Murcia: Servicio de publicaciones de la Universidad de Murcia, 2019) Simó, Águeda
    La aplicación de la Realidad Virtual (RV) en la creación artística se remonta a la década de 1990, cuando se comercializan los primeros sistemas de RV. Sin embargo, los altos costos y las dificultades técnicas para realizar y exhibir este tipo de obras limitaron la exploración artística de esta tecnología. En la segunda década del s. XXI, la RV ha experimentado un renacimiento debido, en parte, a los avances tecnológicos en la computación gráfica y las interfaces físicas, bien como a su abaratamiento. Todos estos factores, están reimpulsado la utilización de la RV en las artes al facilitar la creación y exhibición de las obras.
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    Vídeo documental participativo como arte contextual : Una intervención artístico-pedagógica para la construcción identitaria en la adolescencia
    (Universidad de Murcia, 2021-05-05) Borisova Fedotova, Anna; Amorós Blasco, Lorena; Tejeda Martín, Isabel; Escuela Internacional de Doctorado
    La construcción de la identidad es un proceso continuo a lo largo de toda nuestra vida, pero en la adolescencia se vive con mayor intensidad debido a una serie de cambios fisiológicos y cognitivos, así como a la presión social por encontrar un lugar en el mundo. A pesar de que la educación formal debería brindar apoyo para avanzar en esta tarea vital al ser uno de los principales escenarios de socialización juvenil, en su marco se prioriza la formación de las capacidades cognitivas del alumnado frente a su desarrollo integral. Desde hace unas décadas han surgido prácticas en los intersticios entre el arte y la educación capaces de abordar la problemática expuesta. Se trata de las residencias de artistas en las escuelas, proyectos dirigidos a la creación colaborativa. En la presente tesis doctoral exploramos desde perspectivas teóricas y empíricas cómo, dentro de estas propuestas artístico-pedagógicas, el vídeo documental participativo puede mediar en el proceso de subjetivación adolescente.Partimos del supuesto que este modelo de intercambio creativo, que se inscribe en el paradigma del arte contextual y se nutre de sus métodos, genera un espacio simbólico que permite a los y las participantes avanzar tanto en la dimensión personal como social de su autodefinición, ya que da la oportunidad de observarse a uno mismo desde una perspectiva inusual, establecer vínculos con la realidad circundante, experimentarla y repensarla. Para confirmar nuestra hipótesis, a partir de la revisión bibliográfica interdisciplinar y estudio de casos diseñamos una intervención artística para la educación secundaria formal, la cual pusimos en práctica durante el curso académico 2017/2018 en dos grupos de estudiantes pertenecientes al IES El Carmen y IES Mariano Baquero Goyanes (Murcia), respectivamente.Nuestra iniciativa se planteó como un taller integrado en las materias curriculares y dirigido a la creación colectiva de una obra videográfica documental sobre asuntos relevantes para las personas involucradas en el proyecto. Su metodología híbrida y flexible aunó los elementos de la mediación artística, videoterapia, videoarteterapia, vídeo participativo, y las pedagogías crítica y holística. Los datos sobre su implementación fueron recogidos usando el método de observación participante, e instrumentos como el cuestionario, la entrevista semiestructurada, el diario de observación, las fichas de seguimiento individual y el registro audiovisual. El análisis de los resultados sugiere que la fórmula de interacción creativa que diseñamos actúa en las áreas personales y sociales de la subjetividad adolescente: permite avanzar en el autoconocimiento, autoconfianza y autoaceptación, ensayar diversas dinámicas relacionales, o fortalecer el sentido de pertenencia y conciencia ciudadana. Asimismo, la intervención tuvo repercusión en su contexto sociocultural. En ambas ediciones, la colaboración con los centros educativos se consolidó hasta el punto de integrar la metodología propuesta en su programación curricular, con el asesoramiento y actuaciones puntuales de la mediadora a lo largo de los años posteriores. Por otra parte, uno de los documentales lanzaba la propuesta de un espacio de encuentro y diálogo social gestionado por el colectivo juvenil.Esto suscitó el interés del gobierno local y el proyecto fue incluido en la programación de uno de los centros culturales más importantes de la Región, situado en Antiguo Cuartel de Artillería. Otras dos obras mostraban la perspectiva adolescente de la lucha vecinal por el soterramiento de las vías ferroviarias, documentando uno de los movimientos sociales más notables a nivel regional en aquel momento. Estos hechos no sólo valorizan la práctica artístico-pedagógica desarrollada, sino que también revelan la necesidad de romper con la exclusión de los y las adolescentes de la vida pública y política. El arte contextual en general y las intervenciones de vídeo documental participativo en particular ofrecen un marco idóneo para lograrlo.